Ein Kasten Kohle

The Ocean

Thu, 28 Jul 2011 23:03:00 +0200

Den Eintrag veröffentliche ich mit freundlicher Genehmigung des Onlinemagazins CrossOver, für das ich den Artikel verfasst habe und bei dem derselbe auch in Kürze online erscheinen wird.

The Ocean sind Ausnahmekünstler. Die deutsch-schweizerische Progressive-Metal-Band um Mastermind Robin Staps achtet, wie nur wenige andere Bands, darauf, dem Hörer ein Gesamtkunstwerk vorzulegen: 2010 veröffentlichten The Ocean zwei Konzeptalben, „Heliocentric“ und „Anthropocentric“, eine fundamentale und philosophische Kritik am Christentum.

Die Art der Veröffentlichung ist liebevoll mit dem Konzept abgestimmt und treibt jedem Sammler Freudentränen in die Augen: In einer riesigen Box, limitiert auf 1.500 Stück, liegen vier farbige 180-Gramm-Schallplatten in zwei aufklappbaren Hüllen, auf denen Drehscheiben mit Sternzeichen und Planetenlaufbahnen befestigt sind.

The Ocean sind keine Mainstream-Künstler. Es stellt sich also die Frage, wie die Band solche Veröffentlichungen finanzieren kann. Beim Konzert im Leipziger Conne Island (zusammen mit Earthship, Red Fang und Intronaut) hat sich Staps die Zeit genommen, zuerst über die Anfänge der Band und das Entstehen von The-Ocean-Stücken zu sprechen. Der zweite Teil des Interviews widmet sich der organisatorischen und finanziellen Seite der Band, in dem Staps unter anderem erklärt, warum man 2011 noch eine Plattenfirma braucht und weshalb auch Saturn und Mediamarkt für The Ocean wichtig sind.

Robin Staps - Foto: Christian Bartsch

Es ist immer die Rede davon, dass zeitweise mehr als 40 Leute an der Band beteiligt waren. Jetzt seid ihr eine eher überschaubare Band. Kannst du zusammenfassen, wie The Ocean entstanden ist und wie sich die Band entwickelt hat?

Ich bin 2001 nach Berlin gezogen mit dem Vorhaben, eine Band zu gründen, und hatte eine ziemlich genaue Vorstellung, wohin das gehen sollte. Ich hab dann Leute gesucht und lange nicht gefunden. In einer Stadt wie Berlin, in der das Kulturprogramm sehr umfangreich ist, ist es schwierig, Leute zu finden, die es ernst meinen und Bock haben, Musik zu machen – nicht nur feierabendmäßig, zwei Mal die Woche proben, sondern richtig. Außerdem ist das Tour-Leben nicht für jedermann. Wir hatten viele, die zwei Jahre mitgemacht haben und dann anfingen, Familien zu gründen, Kinder zu kriegen und keinen Bock mehr hatten. Deshalb musste immer wieder jemand Neues ran. Am Anfang waren das deshalb ziemlich viele – insgesamt mehr als 40 Leute, das stimmt tatsächlich. Das hat sich hingezogen bis 2007, als der erste Schweizer in die Band kam: Jona. Unser vorheriger Gitarrist, Andreas Hillebrand, hatte sich zurückgezogen. Wir haben gemerkt, dass er nicht mehr so richtig Bock auf die Nummer hatte. Dann haben wir über’s Internet jemanden gesucht. Jona hat sich gemeldet und uns ein Video geschickt, in dem er einen unserer Songs spielte. Das hat uns ziemlich beeindruckt. Wir haben viele Videos gekriegt: Meistens hat man nur das Griffbrett gesehen und die Leute haben halt gespielt. Jona hat sich in seinem Proberaum hingestellt, im Hintergrund war noch irgendein Poster, den Song gespielt und dazu abgerockt. Wir haben ihn zu einer Probe eingeladen und das war cool. So ist er dazu gekommen. Long story short: Das war dann nur der Anfang. Irgendwann ging unser Schlagzeuger und Jona sagte: „Ich kenn da einen aus unserem Kaff. Probiert den doch mal aus.“ Das war Luc. Genau dasselbe ist später mit Louis passiert. So hat sich die Schweizer Invasion vollstreckt. Die kommen alle aus einem kleinen Kaff an der französischen Grenze, La Chaux-De-Fonds, wo es sehr viele talentierte Musiker und Bands aus allen Genres gibt: von Jazz über Klassik bis hin zu Metal. Das ist ein bisschen das Peripheriephänomen. Man kennt das aus Umeå in Schweden, Ende der 90er Jahre, wo in einer Kleinstadt 30 Straight-Edge-Bands existiert haben. Das ist da ganz ähnlich. Seit dann Loïc dazugestoßen ist, ist das Line-Up fix und das wird hoffentlich eine Weile so bleiben. Das war wiederum das Resultat eines langen Suchprozesses. Loïc ist auch Schweizer, aber das ist Zufall.

An den Alben haben klassische Musiker mitgewirkt. Wendet ihr euch bei jedem Album an dieselben?

Wir haben jetzt zwei Leute, die fest zu dem Kollektiv gehören. Das sind unser Pianist mit dem schönen Namen Irakli Marikishvili und unsere Cellistin mit dem ebenfalls schönen Namen Dalai Theofilopoulou, die mit uns gerade in Athen gespielt haben. Beide sind fester Bestandteil des erweiterten Line-Ups und werden auch viele Sommerfestivals mit uns spielen. Sonst waren es immer unterschiedliche Musiker: Auf „Precambrian“ haben andere klassische Musiker gespielt als auf „Heliocentric“ und „Anthropocentric“. Da haben wir Freunde von Freunden gefragt, die in zum Teil namhaften Orchestern gespielt haben, ob sie mal etwas Anderes machen wollen. Das war meistens ein relativ einmaliges Erlebnis. Mit Irakli und Dalai passt es jetzt super: Beide sind studierte, virtuose klassische Musiker, aber haben auch einen Metal-Background. Bei früheren Alben hatten wir viele Schwierigkeiten mit klassischen Pianisten, die es nicht gewohnt waren, zu einem geraden Rhythmus zu spielen, weil in der Klassik Tempi eher frei interpretiert werden, mit vielen Kurven, Rallentandos etc. Die sind’s nicht gewohnt nach Click zu spielen. Es ist schwierig, Leute zu finden, mit denen das funktioniert.

Wie organisiert ihr Proben, Tour und Albumproduktionen bei so vielen Beteiligten? Jeder hat schließlich ein eigenes Leben.

[lacht] Ja, das ist auf jeden Fall schwierig. Gerade auch, weil ein Teil der Band in der Schweiz wohnt und ich in Berlin. Das bedarf viel Vorausplanung, aber ist durchaus machbar: Flüge sind billig von Basel nach Berlin – kriegt man mit Easyjet für 40 Euro, wenn man’s rechtzeitig bucht.

Wir proben zum Beispiel immer nur vor einer Tour. Wir sind jetzt fast drei Monate am Stück unterwegs, Anfang April bis Ende Juli. Wir haben Anfang April eine Woche vor der US-Tour geprobt und im Februar eine Woche vor der Museumsshow. Das geschieht immer am Block: acht, neun Stunden am Tag proben und nichts Anderes. Wir sind keine Band, die zweimal die Woche probt, sondern wir proben gezielt für Touren oder Aufnahmen.

Bei den Klassikern muss man sich danach richten, wann die Zeit haben. Aber meistens hat man ja ein Zeitfenster von drei bis vier Wochen, in denen man im Studio ist. Wenn man das rechtzeitig mit denen plant, kommen die dann irgendwann vorbei und dann klappt das schon.

Ihr habt zuletzt „Heliocentric“ und „Anthropocentric“ veröffentlicht. Um die Texte soll’s jetzt gar nicht gehen. Die sind zwar komplex, aber selbsterklärend…

… ja, finde ich auch…

… sondern vielmehr darum, woraus sich dein Interesse für die Thematik „Religion“ schöpft. Was hast du studiert?

Ich hab Philosophie studiert, weil ich ein Interesse für solche Belange habe. Nicht anders herum. Also ich mache keine Alben über etwas, das ich studiert hätte [lacht]. Ich habe mich da immer schon für interessiert. Als ich 16 war, habe ich in den USA gelebt; in einer streng baptistisch-kreationistischen Gastfamilie. Das war meine erste Konfrontation mit dem Thema. Ich musste mich täglich mit Leuten auseinandersetzen, die behauptet haben, es habe die Dinosaurier nie gegeben und die Erde sei 5000 Jahre alt. Seitdem hab ich viel gelesen, mich damit auseinandergesetzt und wollte schon seit langer Zeit einen dicken Brocken Konzeptalbum über Religion oder das Christentum zu machen.

Haben dich Christen bzw. Fundamentalisten auf die Alben angesprochen? Wie sind die Reaktionen ausgefallen?

Ja, zum Teil. Ich erinnere mich an ein Gespräch mit einem Pastor nach einem Gig in Berlin. Der hatte mich im Radio über Richard Dawkins reden gehört. Ein evangelischer Pastor, ein ziemlich aufgeschlossener Typ. Das war sehr interessant, mit dem habe ich mich lang unterhalten. Auch auf Tour kommen immer wieder zum Teil religiöse Fans, die Gespräche und Diskussionen suchen. Das finde ich sehr spannend.

Fundamentalisten – Gerade in den USA habe ich erwartet, dass Leute kommen, die Tomaten werfen. Das ist aber nicht passiert. Die Leute sind relativ zurückhaltend in der Verteidigung ihres Glaubens, was mich gewundert hat, weil wir keinen Hehl aus unserem Anliegen machen und auf der Bühne deutlich darüber sprechen; ich habe zu dem Thema jeden Abend eine Ansage gemacht. Aber Leute, die da auf ein Konzert gehen, wollen Entertainment. Das ist denen relativ egal, glaube ich, worüber man redet. Ein bisschen erschreckend, aber so habe ich es erfahren.

Vermutlich ist es der Teil ihres Glaubens, von dem sie am ehesten abrücken können.

Ja, vielleicht.

Wie entstehen The-Ocean-Stücke? Sitzt du stundenlang mit deiner Gitarre…

[lacht] Ja, schon. Bis „Heliocentric“ habe ich alles selber gemacht. Die Alben sind ganz unterschiedlich entstanden. „Precambrian“ habe ich zum Teil in Australien geschrieben, wo ich eine Zeit lang gereist bin und eine etwas schwierige Zeit durchlebt hab. Da hatte ich viele Songideen, wenn ich ewig lange Strände entlang gelaufen bin. Abends habe ich dann versucht, alles auf einer viersaitigen Gitarre zu notieren. Das sind die Kernstücke der „Proterozoic“ geworden. „Heliocentric“ ist in einem relativ kurzen Zeitraum von drei Wochen entstanden. In Spanien, in einem wunderbaren Haus am Meer, meiner Rückzugsburg der letzten zehn Jahre, zu der ich immer wieder zurückkehre. Sobald ich da bin, sprudeln die Ideen und ich bin unheimlich inspiriert. 2008, nach einer dreimonatigen Tour, nach der ich eigentlich einfach nur chillen wollte, kam ich da an, hab mich nach vier Tagen gelangweilt und meine Freundin angerufen und gesagt: „Bring mir meine Gitarre mit, mein Pro Tools, meine Mbox, die und die Kabel, zwei Boxen.“ Dann kam sie und ich hab da „Heliocentric“ geschrieben. Aber nie zu Hause, ich muss immer irgendwo unterwegs sein.

Auf „Anthropocentric“ hat erstmals Jona Stücke geschrieben. Wie war das für euch?

Das ist ein sehr intimer Prozess für uns. Jona schreibt seine Songs, ich schreib meine. Dann spielen wir die uns vor, sagen „gut“ oder „scheiße“. Dann arrangiert man noch ein bisschen daran herum. Ich schreib auch mal eine zweite Gitarrenline für etwas, das Jona geschrieben hat oder umgekehrt. Aber im Prinzip sind das nie Songs, die im Proberaum entstehen, sondern jeder schreibt für sich.

Wenn du Stücke schreibst, hast du dann zu Beginn bereits ein Arrangement vor deinem inneren Auge?

Das ist ein Prozess und entsteht alles zusammen. Ein Gitarrenriff bedingt für mich immer auch einen Drumbeat und eine Basslinie. Der Gesang kommt meistens zum Schluss darüber und bedingt noch gewisse Veränderungen. Aber das ist meistens eher im kleinen Rahmen, also ob jetzt eine Strophe vier oder acht Mal kommt oder ob man ein Akkordschema leicht variiert.

Ich programmiere dann auch Drums. Bis „Precambrian“ hat unser alter Schlagzeuger wirklich Fill für Fill alles so nachgespielt, wie ich das programmiert hab. Luc interpretiert das jetzt deutlich freier, was cool ist, weil er auch geile Ideen hat, auf die ich sonst nicht kommen würde.

„Heliocentric“ und „Anthropocentric“ hat der Schwede Svante Forsbäck produziert. Wie sehr lässt du dir vom Produzenten „reinreden“?

Der mastert nur. Den Mix haben wir selber gemacht und werden das auch auf den nächsten Alben tun. Unser fester Studiomensch ist seit „Heliocentric“ Julien Fehlmann, der gehört im Prinzip zur Band. Er bringt natürlich auch noch ein gewisses kreatives Input rein, da geht’s aber eher um die technische Umsetzung und um die Frage, mit welchen technischen Mitteln man einen Sound so hinbekommt, wie man ihn haben will. Nicht um Änderungen an Arrangements, da lasse ich mir eigentlich nicht gerne reinreden. Deshalb wollten wir auch nie mit einem großen Produzenten arbeiten, der dann anfängt an unseren Songs herumzutüfteln. Das wird auch glaube ich nicht passieren. Dazu sind mir die Dinger zu heilig. [lacht]

Es scheint, als wärst du Perfektionist. Beschäftigst du dich lang mit Kleinigkeiten?

Ja, absolut! Meistens viel zu lang. Schwierig ist es, den Moment zu finden, in dem man sagt: „Das ist jetzt gut. Das bleibt jetzt so.“ Denn es gibt immer noch etwas zu verbessern und zu verändern. Gerade beim Mix ist es die Hölle. Julien und ich sitzen im selben Boot und arbeiten zusammen, aber wenn wir ein Album mixen, führen wir Krieg. Am Ende ist es gut, dass wir uns erst einmal vier Wochen nicht sehen, aber wir sind auch stolz auf das, was wir geschafft haben. Er ist genauso ein Perfektionist wie ich. Das sind elend lange 11-, 12-, 13-, 14-Stunden-Studiotage. Man dreht sich manchmal im Kreis und merkt, dass man nicht wirklich etwas verbessert hat im Vergleich zu dem, was man vor drei Tagen hatte. Das ist frustrierend, man muss es sich aber eingestehen.

Du bist Geschäftsführer bei Pelagic Records, leitest somit dein eigenes Label, bei dem The-Ocean-Alben erscheinen. Welche Rolle spielen Metalblade bei der Veröffentlichung eurer Alben?

Metalblade ist die Plattenfirma, die The Ocean auf CD rausbringt. Von denen bekommen wir ein Recording Budget, einen Vorschuss für das Album, das letztendlich mit dem tatsächlichen Royaltys verrechnet wird, die uns durch Verkäufe zustehen. Mit diesem Vorschuss müssen wir mehr oder weniger hinkommen. Oder selber draufzahlen, wenn wir wollen. Meistens reicht das einigermaßen, um das Studio zu bezahlen.

Vinyl macht Pelagic. Metalblade wollten von Anfang an kein Vinyl machen. Die haben nicht so richtig den Wert darin gesehen, was mich wundert, weil wir tatsächlich ziemlich viel Vinyl verkaufen.

Woran, glaubst du, liegt das?

Es ist meiner Meinung nach in der Art von Musik, die wir machen, eine heiß begehrte Sache. Die Tendenz geht weg vom physikalischen Tonträger und hin zum Download. Und wenn die Leute tatsächlich noch einen physikalischen Tonträger kaufen, dann sind das ganz bestimmte Leute: Die sind meistens ein bisschen älter und schätzen die Platte oder CD als… man kann es eigentlich nur mit Marx als Fetisch bezeichnen. Außerdem sind es nicht nur bestimmte Leute, sondern es ist auch eine begrenzte Anzahl von Leuten, die das interessiert; Fans und Sammler. Davon gibt’s aber doch noch Einige und die wird’s, glaube ich, auch immer geben.

Die Leute, die sich mit Musik ziemlich intensiv beschäftigen, was auf unsere Fans und Konzertbesucher zutrifft, sehen die Sonderpackagings gern; das, was wir mit unseren Boxen machen. Wer heute überhaupt noch Musik als physischen Tonträger kauft, möchte was Besonderes haben. Da bietet sich Vinyl einfach mehr an als das Medium CD: aufgrund der größeren Fläche für‘s Artwork, aufgrund der größeren Möglichkeiten bei Material und Verpackung. Wir haben ziemlich viel ausprobiert in der Vergangenheit – mit unseren PVC-Drehscheiben, Goldfolienkaschierungen, Schrauben, den drei Cutholes bei „Precambrian“. Das wird sehr positiv aufgenommen und wir kriegen immer wieder Feedback dahingehend, dass die Leute zum Teil tatsächlich über das Artwork auf unsere Platten gestoßen sind und aufmerksam geworden sind, was ich cool finde, weil das liegt uns eben doch sehr am Herzen.

Es gibt imposante Box-Sets von The Ocean. Wie finanzieren die sich?

Wenn man Vinyl veröffentlicht, braucht man verschiedene Dinge: Man braucht erst einmal den Glauben daran, dass die Kohle irgendwann wieder ran kommt. Dann braucht man die Kohle, denn so eine Box herzustellen, ist ziemlich teuer. Das kostet einen satten fünfstelligen Betrag, mit allem Drum und Dran, wenn man nur 1.500 Platten macht oder 2.000, wie wir von der Box. Wir verkaufen die für 60 Euro. Die haben schon einen recht hohen Kostenpreis. Wenn ich davon eine verschenke, verschenke ich locker 45 Euro Material- und Produktionskosten. Da man ja nie damit rechnen kann, am Ende tatsächlich alle zu verkaufen, muss man einen entsprechenden Preis ansetzen. Wir kalkulieren da sehr knapp: Die Boxen sind wirklich auch das wert, was die Leute dafür bezahlen.

Das ist natürlich erst einmal eine Investition, aber ich weiß mittlerweile, dass Vinyl bei uns funktioniert. Ich mach davon nicht 15.000 Stück und bleib dann auf 13.000 sitzen, sondern ich mach eben 2.000 Stück in richtig schickem Packaging und weiß, dass ich sie loswerde. Vinyl funktioniert gut, finanziert sich selbst und trägt sich – nach meinen Erfahrungen besser als CDs.

Verkaufst du über den Webshop die meisten Alben?

Bei Earthship und Abraham dachte ich, wir würden den Großteil direkt über den Webshop an die Leute verkaufen, die uns eh kennen. Wir haben über die Jahre einen recht soliden Fan- bzw. Kundenkreis aufgebaut, der bei uns immer wieder bestellt. Ich hatte erwartet, dass ich von den beiden Bands eben mehr direkt verkaufe, aber das ist nicht so. Ich würde mir nicht vorstellen, dass die Leute, die zu unseren Konzerten kommen, sich ihre CDs bei Saturn oder Mediamarkt kaufen. Aber es gibt viele, die das tun. Ich bin auch immer wieder überrascht. Da läuft immer noch mehr über große Plattenläden. Saturn und Mediamarkt verkaufen jede Menge Earthship- und Abraham-CDs, mehr als wir selbst. Ich hab mich neulich mit einem Kumpel, der auch Musiker ist, unterhalten, der meinte, man brauche heute kein Label mehr, das sei alles überflüssig… Weiß ich nicht. Man kann natürlich alles selber herstellen, aber man braucht zumindest Zugriff auf Vertrieb, weil man sich sonst seine eigenen Verkäufe halbiert.

Allein mit dem Pelagic-Records-Webshop würdest du demzufolge deutlich weniger Einnahmen erzielen?

Auf jeden Fall. Da reißen natürlich Metalblade noch Einiges mit ihren internationalen Kanälen und ihrer Position. Die haben super Beziehungen zu den großen Vertrieben. In Deutschland, England, Österreich und der Schweiz ist Sony der Vertrieb: ein Major. Das macht sich schon bemerkbar. Das merke ich auch im Vergleich zu Pelagic. Wir haben einen Indie-Distributor, der sehr gute Arbeit für uns leistet, der unsere Platten in die Läden bekommt, auch zu Saturn und Mediamarkt. Aber ein großes Label hat da einen ganz anderen Hebel. Die können zum Teil halt auch einfach sagen „Stellt die Platte mal in eure Abhör-Sektion, wo’s die Kopfhörer gibt!“ Das passiert dann auch. Wenn ich das mit Pelagic sage, dann fassen die sich auf die Brust und lachen. Über große Firmen hat man die Möglichkeit noch mehr Leute zu erreichen. Deshalb haben wir auch unseren Vertrag mit Metalblade verlängert. Die machen gute Arbeit, die machen das seit Jahren, die haben die entsprechenden Beziehungen, die wissen einfach, was sie machen. Ich selbst mach das erst seit zwei Jahren mit Pelagic und hab da auch noch viel zu lernen.

Wie verteilt sich je das Geld, wenn sich jemand eine LP auf dem Konzert kauft oder eine CD im Handel?

Auf dem Konzert geht es an die Band bzw. an mich. Ich streck natürlich alles vor und finanziere. Ein entsprechender Teil fließt dann an mich bzw. die Band zurück.

Wenn du sie im Mediamarkt kaufst, kriegen wir von dem Verkauf Royaltys. Das sind üblicherweise zwischen 10 und 25 Prozent, je nachdem wie groß die Band ist. 10 bis 25 Prozent vom Abgabepreis an den Vertrieb – nicht den Händler – was bei einer CD durchschnittlich 5 bis 6 Euro sind. Das ist das, was man pro Verkauf tatsächlich bekommt: weniger als 1 Euro also.

Die meisten Labels haben in ihren Verträgen noch schöne alte Rudimente aus der Steinzeit der Plattenindustrie, etwa „New Technology Deduction“ für die CD. Die ziehen dir dann einfach nochmal 20 Prozent ab. Das geht zurück in eine Zeit, in der die CD neu am Markt war, und man noch nicht wusste, ob sie sich tatsächlich etablieren wird. Da haben die Plattenfirmen gesagt: „Wie ihr wisst, ist das ein Risikogeschäft für uns, wir müssen von den Royaltys etwas abziehen.“ Viele Firmen halten so etwas auch heute noch in ihren Verträgen. Von den 10 bis 25 Prozent Royaltys, die man kriegt, werden also nochmal 20 Prozent abgezogen. Dann gibt’s andere „Deductions“ wie „Packaging Deductions“… Also nach meinen Erfahrungen bekommt man, wenn’s gut läuft, zwischen 40 und 80 Cent pro verkauftem Album. Das wird alles verrechnet mit dem Vorschuss, den du für das Album bekommen hast. Sprich: Du musst erst einmal eine gewisse Anzahl von Platten verkaufen, damit du überhaupt 1 Cent von deiner Plattenfirma siehst. Die Vorschüsse gehen meisten vollständig in die Produktion. Es ist ja nicht so, dass man sich davon Crack und Huren kauft, sondern das wird ja meistens für Studiokosten investiert. Das sieht immer schön aus: Man kriegt einen tollen fünfstelligen Vorschuss vom Label, denkt sich „Super!“, aber letztendlich gibt man es für das Studio aus. Am Ende ist das deine eigene Kohle, denn das wird dir ja von den Royaltys einfach gnadenlos abgezogen. Die meisten Firmen ziehen das zu 100 Prozent ab.

Die größten Einnahmen erzielt ihr demzufolge auf Konzerten?

Ja, natürlich. Das sind direkte Kanäle: Da fällt der Einzelhändler raus, der seinen Teil rauszieht, da fällt der Vertrieb raus, der seinen Teil rauszieht. Insofern bleibt da mehr hängen, genauso wie bei Direktverkäufen über den Webshop. Aber man erreicht damit eben auch nur einen kleinen Kreis. Man kann nicht sagen, dass man nur das eine oder das andere macht – das würde keinen Sinn ergeben. Man muss darauf achten, die Direktverkäufe, so gut es geht, aufzubauen, und seine treuen Fans um sich scharen, die bei einem bestellen. Die wollen gern auch etwas Besonderes – dafür heben wir uns dann eben besondere Vinylfarben auf, die wir auch wirklich nur an direkte Bestellungen rausgeben und nicht an den Vertrieb. Aber das allein ist es eben nicht. Manche Leute kaufen ihre Platte immer noch im Plattenladen oder bei Mailordern wie Greenhell, weil‘s einfach ist und weil sie sich nicht nur die neue The-Ocean-Scheibe bestellen wollen, sondern noch zehn andere Platten. Manche gehen zu Saturn und hören dort. Beides ist wichtig. Ich kenne kein Label, das ernsthaft sagt, wir machen nur Direktverkauf.

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The Ocean Collective
Pelagic Records
The Ocean @ Metalblade

Black Math Horseman

Tue, 24 May 2011 10:42:00 +0200

Den Eintrag veröffentliche ich mit freundlicher Genehmigung des Onlinemagazins CrossOver, für das ich den Artikel verfasst habe und bei dem derselbe auch in Kürze online erscheinen wird.

Was ist düster und was nicht? Im Internet geben Hobby-Kategorisierer der Band Black Math Horseman Genrebezeichnungen wie „Atmospheric Doom Metal“, „Heavy Post-Rock“ und „Progressive Doom“. Bryan Tulao, Gitarrist der US-amerikanischen Band, hingegen findet die Musik weniger dunkel. Fallen hier Eigen- und Fremdwahrnehmung auseinander?

„Jedes Mal wenn Menschen zusammenkommen und Musik machen, entsteht eine Chemie. Ich finde, man kann nicht planen, ob man düster klingt oder nicht. Wären du und ich in einer Band, könnten wir die düsterste Musik der Welt machen. So etwas geschieht unvorhergesehen. Unsere Musik finde ich nicht besonders finster. Manchmal habe ich sogar das Gefühl, sie ist hübsch. Schön. Üppig.“

Ist man einmal in die Klanglandschaft von Black Math Horseman eingetaucht, ergibt das Sinn. Die mächtigen Gitarrenwände, das naturgewaltige Schlagzeug, der weltfremde Frauengesang, sogar die atonalen Passagen – sie fügen sich harmonisch und natürlich ineinander. Zunächst mögen Black Math Horseman nach purer Dunkelheit klingen. Aber mit der Zeit gewöhnen sich die Ohren daran und auf einmal hört man im zuvor tiefschwarzen Klangwald auch grün und braun und kann formschöne Umrisse ausmachen.

Black Math Horseman würden nicht so vollendet klingen, verstünden sich die Bandmitglieder nicht so gut. Tulao und Schlagzeuger Sasha Popovic verbindet eine gemeinsame Vergangenheit in der Alternative-Rock-Band Mother Tongue. Gitarrist Ian Barry und Frontfrau Sera Timms kannte Tulao durch Freunde. „Die beiden hatten schon zuvor ein Projekt, bei dem sie Gitarre spielten. Ian und Sera fragten mich, ob ich den Bass übernehmen wolle. Um ehrlich zu sein: Als wir das erste Mal zusammen spielten, klang das nicht besonders gut. Nach ein paar Versuchen sagte Sera ‚Weißt du was: Ich spiel Bass.‘ Das ist ihr Hauptinstrument. Mittlerweile verstehen wir uns alle blind, wir stimmen uns sofort aufeinander ein.“

links: Bryan Tulao (Gitarre), rechts: Ian Barry (Gitarre)

Bryan, euer Debüt „Wyllt“ hat Scott Reeder [Bassist von Kyuss, Anm. d. Verf.] produziert. Wie habt ihr ihn kennengelernt und wie kann man sich die Aufnahmen mit ihm vorstellen?

Bryan: Sash und ich kannten ihn von der ersten Mother-Tongue-Tour, auf der wir für Kyuss eröffneten. Am Tag nach unserem ersten Black-Math-Horseman-Konzert sagte Sash: „Wir klingen gut in einem Raum, aber ich will eine Aufnahme von uns hören. Was haltet ihr davon, wenn ich Scott anrufe?“ Der antwortete mit „Klar, kommt zu mir! Ich nehm euch auf.“ Eine Sache unter Freunden. Sein Studio heißt „The Sanctuary“ und ist auf seiner Farm. Die Sache war: Wir hatten noch nie zuvor auch nur eine Note von dem gehört, was wir spielten. Wir wollten einfach wissen, wie wir klingen. „Lasst uns einfach ein paar Mikrofone aufstellen und einmal die Lieder durchgehen.“ Wir spielten sie also live ein. Ab und zu kam Scott in den Aufnahmeraum und justierte ein paar Mikrofone, sagte „OK“ und ging wieder. Von früh morgens bis Mitternacht sagte er kaum ein Wort. Wir waren uns nicht sicher, ob er es scheiße findet: „Klingt alles gut? Ich weiß nicht wie das klingen muss?“ – „Jaja, alles cool.“ Erst als wir gingen, sagte er „Das war großartig! Ich hatte keine Ahnung, was das wird und wie ihr klingen würdet.“ – „Wir dachten, du hasst es, weil du so ruhig warst!“ – „Nein, ich musste es nur verarbeiten.“ Danach fanden wir alle: „Wow, das klingt ziemlich gut!“ Eigentlich hatten wir das Ganze als Demo angesetzt, geworden ist es ein Album. Mittlerweile haben wir noch ein paar Lieder bei ihm aufgenommen, die wir vermutlich diesen Sommer veröffentlichen werden.“

Wie habt ihr eure Stücke geschrieben?

Bryan: Wir sind alle gleich eingebunden, was das Schreiben angeht. Ian ist überwiegend derjenige, der Riffs einbringt. Wesentlich ist dann Sashs Schlagzeugspiel, es ist sehr musikalisch. Manchmal haben Ian und ich gemeinsam etwas geschrieben, wussten aber ohne Sash nicht, ob es funktionieren würde. Besonders bei der Arbeit am nächsten Album ging uns das so. Wir schreiben etwas und finden es großartig, dann kommt Sash und fragt „Aber wie wär’s, wenn wir es so machen würden?“ – „Ja, das ist eigentlich sogar besser. Scheiße Sash, lass es uns nochmal schreiben.“ Ian und ich schreiben außerdem gerne Atonales. Klänge, die nicht funktionieren sollten, erzeugen Spannung. Am Ende kommt Sera und sagt „Das klingt gut, aber ich finde es sollte heavyer und intensiver sein.“ Manchmal habe ich das Gefühl, das Rock-Element kommt von ihr. Interessant ist, dass wir alle etwas Verschiedenes spielen. In manchen Bands habe ich die Erfahrung gemacht, dass Gitarre und Bass dasselbe spielen, hier ist das nicht so.

Versucht ihr bei Konzerten, die Stücke so zu spielen wie auf dem Album?

Bryan: Manche ändern wir leicht ab; die unterscheiden sich dann vom Album. Aber eigentlich entwickelt sich live jedes Lied. Das ist irgendwie interessant: Es lässt sich auch so gar nicht mit Mother Tongue vergleichen. Das hier ist eine komplett neue Erfahrung, denn ist auch nicht so richtig wie Jammen… Manchmal läuft es absolut schief, aber ein anderes Mal führt uns das an unglaubliche Orte.

Sera Timms (Bass, Gesang)

Das Debütalbum „Wyllt“ ist der erste Teil einer geplanten Trilogie, die einem Konzept folgen soll, das, wie auch der Klang von Black Math Horseman, recht mystisch ist: Der Albumname „Wyllt“ bezieht sich auf den walisischen Propheten Myrddin Wyllt, der im sechsten Jahrhundert nach Christus gelebt haben soll. Gitarrist Barry kann seinen Bandkollegen zufolge das Konzept in seinen Grundzügen am besten wiedergeben.

Ian, welcher Gedanke steht hinter „Wyllt“?

Ian: Das Album basiert auf einer zeitlosen Geschichte einer Variante von Merlin. Es gab immer einen Weisen – in den Zeiten von Königen, aber die Geschichte lässt sich genauso gut auch in die heutige Zeit übertragen. Diese Ratgeber waren bewusster für manche Dinge und besser in Einklang mit dem Auf und Ab der Menschheit. Man hofft, dass eine solche Person in der Nähe und in einer einflussreichen Position ist. Denn Menschen in Machtpositionen werden manchmal von ihrer Macht verzehrt. Dann ist hoffentlich jemand da, der beratend zur Seite steht. In Amerika zum Beispiel gibt es verblüffende Landschaften, aber man hat es nicht geschafft, sich mit den Einheimischen zu arrangieren. Sie wurden ausgestoßen. Solche Geschichten wiederholen sich selbst. Es gibt immer ein Ringen von Menschen in Machtpositionen und Ratgebern, die naturverbundener sind. Auf „Wyllt“ ist es der Black Math Horseman, der versucht, seine unglaubliche Gabe und seinen Einfluss auf andere verantwortlich zu nutzen. Es wird so viel über Superhelden gesprochen, die lernen müssen, mit ihrer Verantwortung umzugehen – das ist dasselbe. Bei uns ist es esoterischer, magischer vielleicht. Es sind Elemente hinzugekommen, die wir als Band lieben.

Glaubst du, es gibt jetzt gerade eine solche Person?

Ian: Ich glaube, es ist gefährlich einen bestimmten Archetyp auf gewisse Personen anzuwenden. Ich denke, dass jeder von uns die Fähigkeit besitzt, Situationen zu überblicken, sich darüber klarzuwerden, wie man tatsächlich über Dinge denkt, über Gut und Schlecht: die eigenen Konflikte. Das Potential, so eine Person zu sein, haben meiner Meinung nach viele. Das klingt sehr politisch korrekt.

Ist dieses Potential deiner Meinung nach eher groß oder klein?

Ian: Ich habe das Gefühl, dass dieses Potential gerade eher unterdrückt als bestärkt wird. Uns geht es darum, das Bewusstsein dafür zu schärfen, mehr mit der Natur und der Umwelt verbunden zu sein. Damit ist kein – und das klingt jetzt hart – prätentiöses, hippiesques oder Bohème-Denken gemeint. Es geht um eine reale Situation. Ich glaube auch, es ist wichtig, Menschen nicht in den Himmel zu heben – Bands, Schauspieler und irgendwelche Berühmtheiten eingeschlossen. Wir müssen ein paar Werte würdigen, aber dabei geht es definitiv nicht darum, prominent zu sein. Vielleicht geht es um einen höheren Ort, an den man gelangen kann, ein wunderlicher, fantastischer Ort. Durch Filme erhalten wir auf träumerische Art und Weise Zugang zu ihm. Mit unserer Band ist es dasselbe: Wir erforschen Klanglandschaften und reisen ins Bewusstsein, aber ich glaube nicht, dass die Geschichte wörtlich zu verstehen ist. Deswegen ist es auch so kryptisch. Aber man kann den Umgang mit Problemen, das Gefühl, Verantwortung übertragen zu bekommen, Glückseligkeit und Schönheit darin finden. Wir wollten nicht mit dem Finger darauf zeigen und eine lineare Geschichte erzählen. Sie ist lose und verändert sich. Letztendlich hat sie mit Ehrlichkeit zu tun, was vermutlich das größte Problem der Menschheit ist. Wenn ich „ehrlich“ sage, meine ich nicht nur „Du bist eine gute Person“ oder „Du meinst es gut“. Es geht darum, ehrlich zu sein. Sei es etwas Unerfreuliches, dass man jemandem sagen muss und oder etwas, das einen verwundbar macht. Das, in aller Kürze, ist es, worum es uns mit Black Math Horseman geht.

Black Math Horseman - Foto: Noisolution

Am Ende ist es verwunderlich, wie ohne jegliches Kalkül und mehr oder weniger ausversehen ein solches Album entstehen konnte. Vier Menschen, eine Chemie und sechs Lieder, die ähnlich viel Respekt einflößen, wie unberührte Natur, die noch nie ein Mensch betreten hat. Wer will, kann an „Wyllt“, seiner Vielschichtigkeit und dem dahinter stehenden Konzept lange zehren. So, oder mit Timms Nebenprojekt Ides Of Gemini, lässt sich die Zeit bis zum nächsten Black-Math-Horseman-Album überbrücken, das nämlich vermutlich noch nicht allzu bald veröffentlicht wird. „Vor dieser Tour haben wir sieben Monate lang kaum etwas gemacht“, erklärt Tulao. „Es kam immer etwas dazwischen. Zum Beispiel hatte sich Ian seinen Arm gebrochen und das Handgelenk verstaucht. Wegen solcher Hindernisse ging es nicht voran. Nach so langer Zeit fragen wir uns bei manchen fertigen Liedern, ob sie uns so noch gefallen. Das verzögert alles. Aber wir haben uns ein mentales Datum gesteckt, wann wir das Album fertig haben wollen und ich hoffe, dass wir es nicht allzu lang verschleppen. Ich freu mich darauf.“

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Black Math Horseman
Black Math Horseman bei Tee Pee Records
Black Math Horseman Myspace

Mother Tongue
Mother Tongue Myspace

Ides Of Gemini Blogspot
Ides Of Gemini Myspace

Castrovalva

Fri, 04 Mar 2011 18:13:00 +0100

Prince, Sigur Rós, Modern Talking, Pharrell Williams, Judas Priest, La Roux. Sechs Künstler, wie sie unterschiedlicher nicht sein könnten. Die Noise-Rock-Band Castrovalva aus Leeds kann man noch dazusetzen, denn alle haben eines gemeinsam: den Gesang.

Zugegeben, die ersten sechs Musiker bauen die Gemeinsamkeit etwas unterschwelliger in ihre Lieder ein als Castrovalva: Es geht um das Falsett, eine Gesangstechnik, die es Sängern ermöglicht Töne zu treffen, die für sie normalerweise zu hoch sind. Da die Musiklandschaft nicht gerade vom Falsett dominiert wird, muss der Castrovalva-Sänger Leemun Smith ab und an erklären, warum er so singt.

Leemun Smith

“Mit 19 belegte ich auf dem College einen ‘Music Performance’-Kurs. Zu der Zeit liebte ich The Mars Volta, Cedric Bixler-Zavalas Stimme und wie hoch er damit kam. Meine hat zwar eine ganz andere Klangfarbe, aber ich dachte mir, das probier ich mal aus. Am Anfang wurde ich ausgelacht und es fiel mir schwer, live zu singen. Manche Leute sind immer noch schockiert: ‘Singt da ein Mädchen?’ - ‘Nein, das ist ein Kerl’ - ‘Wow!’ Nach den Konzerten bekomme ich aber mittlerweile auch eine Menge positives Feedback.” Als wäre der Gesang nicht schon Alleinstellungsmerkmal genug, werfen Castrovalva zwei komplett verschiedene Genres in einen Topf: Noise-Rock und Grime. “Ich mag Grime, weil er britisch ist. Amerikaner haben Hip Hop, wir Grime.”

v.l.n.r. Daniel Brader, Leemun Smith, Anthony Right – Foto: I Like Press

Grime ist seit dem aktuellen, zweiten Album ein Bestandteil von Castrovalvas Musik. Denn Smith, als Fan des Genres, war bis dahin kein festes Mitglied der Band. Zuvor war Castrovalva ein Duo, bestehend aus dem Bassisten Anthony Wright und dem Schlagzeuger Daniel Brader. Sie kannten Smith durch seine damalige Band, The Velvet Orchestra, von der sie auf ihrem Label Salt The Wound Records 2008 eine Vinyl-Split-Single mit Solus Locus veröffentlicht hatten. Als Sache zwischen Freunden lieh Smith auf dem Debüt “Castrovalva” dem Lied “Bellhausen” seine Stimme, kurz darauf gehörte er bereits zur Band und das zweite Album entstand zu dritt. “Bis dahin war Castrovalva nur instrumental, wie Lightning Bolt. Die Songs, die Ant und Dan damals hatten, waren ‘We Don’t Go To Ravenholm’, ‘Bison Scissor Kick’ und ‘Triceratops’ – ‘Thuglife’ und ‘Outlawz’ schrieben wir dann gemeinsam. Seit diesem Zeitpunkt machen wir alles zusammen: Ich bring meistens die Gitarren-Riffs; Ant schreibt sie sich so um, dass er sie spielen kann. Dann kommt Dan mit Gesangsmelodien und die sind meist viel verrückter, als alles, was ich mir hätte ausdenken können…”

“We Are Unit” ist zwar mit einer halben Stunde Spielzeit nicht besonders lang, aber das reicht für ein Album, das musikalisch einer Tracht Prügel gleich kommt. “Pump Pump” eröffnet nach einem kurzen Intro mit purem Lärm, der sich kurz darauf in Folgendes zerlegt: Ein Schlagzeug, an dem ganz offensichtlich nicht Brader sitzt, sondern Animal von der Muppet Show, Rights knarzender Bass, der ins Gesicht schlägt, wie ein mit Wucht geschwungenes, nasses Handtuch und Smiths Stimme zwischen Gebrüll, Geschrei und Falsett. Nach einer Weile passiert das Außergewöhnliche: Während Smith langsam aber sicher am Mikrofon ausrastet, offenbart “Pump Pump” Stück für Stück einen versteckten Groove, wodurch der anfängliche Lärm tatsächlich tanzbar wird! “In unseren Liedern geht’s uns um Melodien und Eingängigkeit. Wir mögen keine ärmlichen Riffs, wir brauchen eine großartige Melodie, damit Leute mitsummen können und sich auf jeden Fall daran erinnern.” Einmal Hören reicht da nicht, so viel steht fest. Es braucht mehrere Durchgänge, bis sich die Ohren an Smiths Gesang gewöhnt haben, ihn von da an als gegeben akzeptieren oder zu lieben beginnen. Dann macht auch “That’s What I’m Talking About” Spaß, das gleich zu Anfang in einem einzigen großen Breakdown ausartet und so seine restliche anderthalbe Minute verlebt – ja, warum eigentlich nicht das Beste auf das ganze Lied ausdehnen? Castrovalva scheren sich einen Dreck um Songkonventionen, so auch in “Hooliganz R Us”, einer Mitbrüll-Hymne, in der Smith fast wie Lil Jon klingt und die mit herrlich doofem Text aufwartet. Oder das darauf folgende “You Better Make That Money”, das mit metallischem Blastbeat losbricht; rumpelt, knarzt und scherbelt und am Ende einen auf Bigband mit Bläsern macht. “We Are Unit” ist eine riesige Party mit einem Motto, das jeder doof findet – mit der Ausnahme, dass sich bei Castrovalva alle an das Motto halten.

Das zweite Castrovalva-Album „We Are Unit“ – Design: Leemun Smith Kraffhics/Castrovalva, Foto: I Like Press

Castrovalvas drittes Album ist bereits in Arbeit, soll im Mai erscheinen und eine Richtung steht auch schon fest: “Wir wollen tanzbarer werden. In unsere neuesten Aufnahmen haben wir eine Menge Dubstep und mehr Grime gepackt. Wir schmeißen einfach alles zusammen und schauen was passiert.” Die dazugehörige Single-Vorbotin “Señorita” ist bereits auf dem Weg und löst Smiths Versprechen ein: Ein Song, wieder deutlich unter der Drei-Minuten-Marke, dem der Spagat zwischen Rock, Grime und einer eingängigen Synthesizer-Melodie gelingt, gepaart mit Samba-ähnlichen Rhythmus. Womit Castrovalva wieder ein paar Trennwände zwischen Genres eingerissen hätten.

Foto: I Like Press

Mit dem neuen Material wollen Castrovalva noch dieses Jahr auf Tour gehen. Eigentlich planten die Briten das schon 2010, die Tour wurde aber abgesagt: “Wir haben nicht genügend Tickets verkauft. Es war natürlich komisch, welche zu verkaufen, wenn noch nie jemand von uns gehört hatte.” Schade, denn damit ist München, Berlin und Osnabrück eine Menge entgangen, findet auch Smith: “Auf Konzerten sind wir viel besser als auf CD. Wir haben Spaß mit dem Publikum, spielen Sound-Effekte ab. Wenn uns etwas gut gefallen hat, spielen wir’s einfach noch einmal und die Leute denken nur: abgefahren! Außerdem haben wir Dance-Offs, bei denen zwei Leute gegeneinander tanzen können, um ein T-Shirt zu gewinnen… Es ist wie eine Hip-Hop-Show gemischt mit einem Rock-Konzert. Wir sorgen einfach für gute Stimmung.”

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Darkest Hour, Protest The Hero, Born Of Osiris, Purified In Blood (Conne Island, 04.02.11)

Wed, 09 Feb 2011 19:30:00 +0100

Den Eintrag veröffentliche ich mit freundlicher Genehmigung des Onlinemagazins CrossOver, für das ich den Artikel verfasst habe und bei dem derselbe auch in Kürze online erscheinen wird.

“Baptised in a pool of blood / born dead / vanished hope / from horseman’s hands / pestilance and disease”. Gut, die starke Neigung der Norweger zum Düsteren ist nichts Neues. Gerade der norwegische Black Metal hat Textzeilen hervorgebracht, die in mehrerlei Hinsicht sehr viel extremer sind: apokalyptisch, brutal, satanistisch. Wenig davon kann man jedoch als Atheist ernst nehmen. Bei der Hardcore/Metal-Band Purified in Blood aus Stavanger, die mit obigen Zeilen ihr aktuelles Album eröffnen, sieht das jedoch anders aus: Ihre Texte sind keine kranken Fantasien, sondern eine dystopische Version der Realität, der Status Quo also für die Band um Sänger Hallgeir Skretting Enoksen. “Wir betrachten die Dinge gern von ihrer hässlichen Seite.”

links: Hallgeir Skretting Enoksen (Gesang), rechts: Tommy Svela (Gitarre)

Dem Inhalt kommt natürlich das Genre entgegen, in dem sich Purified In Blood bewegen. Nachdem sie als Jugendliche durch Skateboard fahren mit Punk Rock in Berührung kamen, führte ein Freund sie zum Straight Edge Hardcore, erklärt Enoksen. “Die ersten Bands, die wir hörten, waren Earth Crisis, Strife, Integrity - das ganze Victory Records Zeug. Außerdem Sachen wie Bold, Judge, 7Seconds. Wir wollten etwas machen, das mehr Metal ist, denn wir mochten auch Sepultura. ‘Chaos A.D.’, ‘Arise’, ‘Beneath The Remains’ sind immer noch Lieblingsalben von uns. So etwas strebten wir im Hardcore an, denn da kamen wir her.” Damit entsprechen Purified In Blood weniger dem, was momentan gemeinläufig und oft abwertend als Metalcore bezeichnet wird. Vielmehr betonen die Norweger die elementaren Bestandteile Hardcore und Thrash Metal (der schnelleren und aggressiveren Version von Heavy Metal) und entziehen sich damit praktischerweise der üblichen Kritik an aktuellem Metalcore von Seiten der Altmetaller: Kein emotionales Geweine in melodischen Parts, Verzicht auf höllisch böse klingende Stimmeffekte, Oldschool-Soli und spärlich gesäte Breakdowns nahe am Death Metal (einem Subgenre des Heavy Metal, das extremer, komplizierter und düsterer ist). Auch nicht unbedingt neu, aber das stört Enoksen nicht: “Wir wollen nicht bahnbrechend oder wegweisend sein. Uns geht’s darum, die Musik zu machen, die wir lieben.”

Maßgeblich für die Düsternis sind aber die Themen, die Purified In Blood behandeln: Umweltzerstörung, Tierrechte, Veganismus. “Wir waren 2004 mit der Total Liberation Tour in den Staaten - mit Rod Coronado [amerikanischer Umweltaktivist, Anm. d. Verf.] von Earth First! und politischen Bands wie Gather und Undying”, erinnert sich Enoksen. “Dort haben wir eine Menge Sprecher gehört und sind schnell mit der politischen Seite von Hardcore in Berührung gekommen. Das hinterließ Spuren bei uns.” Was die Band formte, zerstörte sie kurz darauf auch wieder: Einige Bandmitglieder entschlossen sich gegen die vegane Lebensweise, Purified In Blood lösten sich auf. Nach einer fast zweijährigen Pause trafen sich die Freunde wieder und stellten fest, dass es nicht nur um Veganismus gehen kann. “Unsere Botschaft ist nicht die des Straight Edge, sie ist eine umweltpolitische. Es ist wichtig, sich das Gesamtbild anzuschauen.”, so Enoksen. “Wir wollen nicht auf der Bühne stehen und sagen ‘Hey, ich bin Veganer, ich bin besser als du.’, darum geht es nicht. Es ist nicht alles schwarz/weiß.”

Nach der Wiedervereinigung nahmen Purified In Blood ihr zweites Album “Under Black Skies” auf, bei dem die Herangehensweise sehr viel überlegter als beim Schnellschussdebüt “Reaper Of Souls” war: “Im Studio haben wir sieben Tage gebraucht”, erklärt Enoksen. “Es war schnell und wütend, wir liebten das Album, aber direkt danach wollten wir etwas Anderes machen.” Gitarrist Tommy Svela fügt hinzu: “Man hört, dass wir uns damals an anderen Bands orientiert haben. Deswegen mag ich unser Debüt nicht mehr wirklich.” Der aktuelle Langspieler ist individueller und weniger kurzweilig als der Vorgänger, findet Enoksen. “Niemand wird sich das Album anhören und sofort ‘Was zur Hölle? Bestes Album aller Zeiten!’ rufen. Es ist durchdachter, raffinierter und man muss es mehrmals anhören, bis es wächst.”

v.l.n.r.: Hallgeir Skretting Enoksen, Anders Mosness, Stig Skog Andersen von Purified In Blood

Live erweist sich die Kombination beider Alben als überaus praktisch: Einfach Zugängliches für Purified In Blood-Jungfrauen, Vertrackteres für “Under Black Skies”-Besitzer. Zwar fügen die Norweger auch beim Konzert im Leipziger Conne Island als Vorband für die amerikanischen Melodic Death Metal-Veteranen Darkest Hour dem Genre nichts Neues hinzu, spielen ihre Version aber sehr überzeugend: Anders Mosness’ halb-elektronisch, halb-akustisch gemischte Kickdrum sorgt für das angenehme Gefühl beständiger Schläge in die Brust, Bass- und Gitarrensound vermitteln den Eindruck von Gegenwind. Dazu keift und schreit Enoksen, changiert, wenn er will stufenlos, zwischen Black Metal-Gekrächze und New York Hardcore-Gebell. Klar hat man das so ähnlich schon ein Dutzend Male gehört. Aber selten so wütend, facettenreich und zielgerichtet.

Born Of Osiris

Etwas weniger vielfältig ist da die zweite Vorband Born Of Osiris. Die sechs amerikanischen Jungspunde zeichnen mal konventiell, mal hyperaktiv mit den Farben des Death Metal-Malkastens: ein bisschen Blast Beat in Graustufen hier, monotones Gegrunze in kaltem Hellschwarz da, ab und an ein wenig dunkelbunt in den melodischen Parts, aber wichtig ist vor allem die dunkelschwarze Wand aus Doppelfuß und tiefsten Gitarren. Das “farbenfrohe” Ergebnis ist technisch über jeden Zweifel erhaben: Die Gitarrensoli und maschinengleiche Doppelfußarbeit am Schlagzeug ständen auch einigen Altmeistern des Death Metal gut! Sieht man sich aber das gerahmte Gesamtkunstwerk Born Of Osiris an und schaut am technischen Aspekt vorbei, merkt man, dass auf der nun weißen Fläche nichts bleibt, das Emotionen auslöst.

Rody Walker von Protest The Hero

Die nun folgenden, ebenfalls amerikanischen Protest The Hero wurden im Vorhinein als Geheimtipp im Line-up gehandelt. Zu Recht. Vermutlich hat die Band irgendwann einmal zusammen mit iwrestledabearonce, The Dillinger Escape Plan und Rolo Tomassi aus dem selben Topf Wahnsinn, Chaos und Drang zum Experimentieren gelöffelt, denn die fünf Jugendlichen sind ähnlich unverblümt was Konventionen angeht. Da ringen Metal und Hardcore miteinander und sind so beschäftigt, dass sie gar nicht merken, dass Frontmann Rody Walker nicht nur schreit und kreischt, sondern auch übertrieben gefühlvoll melodisch singt, sogar im Falsett! Jetzt bekommen Metal und Hardcore mit, wie erfrischend dämlich Walker mit seiner affektierten Gestik aussieht und wie nah er sich zum Emo hinüberlehnt, überhören aber im selben Moment, dass sich Gitarre und Bass in jazzigen Soli zu überbieten versuchen. Ein heilloses Durcheinander, stilsicher arrangiert, das Publikum paralysierend. Lediglich ein Metaller-Pärchen im Lederoutfit kann dem Spektakel so gar nichts abgewinnen und verliert im Warten auf die Darkest Hour langsam aber sicher die Lust…

Darkest Hour

Nach drei Bands, die sich musikalisch bei Genres bedienen, wie es ihnen beliebt, scheitern Darkest Hour nun daran zu zeigen, dass auch ein Genre allein genug Spielraum bietet. Anlässlich ihres 15 Jahre währenden Bestehens spielen die Amerikaner einen Song jedes veröffentlichten Albums und demonstrieren, wie wenig sich ihr Melodic Death Metal leider weiterentwickelt hat: Die immer gleichen musikalischen Elemente, ähnliche Melodien, Soli, von denen man sich sicher ist, sie schon einmal gehört zu haben. So und besser haben es eben schon die schwedischen Vertreter In Flames, Dark Tranquillity und At The Gates gemacht. Deshalb geht man trotz der großartigen Protest The Hero und Purified In Blood mit komischem Gefühl zum Merchstand, an dem die T-Shirts die Eindrücke von gerade eben bestätigen: Darkest Hour sind etwas einfallslos, Protest The Hero irre und seltsam, Born Of Osiris auf jeden Fall sehr böse und Purified In Blood haben Geschmack. Eins ihrer T-Shirts hat nämlich der kalifornische Tätowierer Tim Lehi entworfen, der unter anderem auch das Artwork für das aktuelle Saviours-Album gezeichnet hat. (Mein Interview mit Saviours findet ihr hier.) Die Metal-Welt ist klein.

Purified In Blood T-Shirt

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Purified In Blood Myspace

Born Of Osiris Myspace

Protest The Hero
Protest The Hero Myspace

Darkest Hour
Darkest Hour Myspace

Detaillierte Beschreibungen und Klangbeispiele zu einer Vielzahl von Metal-Genres gibt es übrigens bei Map of Metal.

DŸSE, Navel (Weltecho, 20.01.11)

Sun, 30 Jan 2011 10:45:00 +0100

Den Eintrag veröffentliche ich mit freundlicher Genehmigung des Onlinemagazins CrossOver, für das ich den Artikel verfasst habe und bei dem derselbe auch in Kürze online erscheinen wird.

DŸSE sind das Ergebnis einer gedanklichen Querfeldeinfahrt: da wo andere die asphaltierte Rap-, Indie-, Electro- oder Metal-Straße nehmen und immer schön auf die Geschwindigkeit achten, heizen Jari Rebelein und André Dietrich über Feld, Stock und Stein. Alles geht, nichts muss. Was rauskommt ist ein bunter Genremix, der so ziemlich jeden anspricht, der seinem musikalischen Horizont keine Grenzen steckt. Maxime: “Ich höre eigentlich alles.”

“Wir mögen ein extrem breites Spektrum an Mucke: von Schlager bis hin zum totalen Grindcore-Geknüppel, dazwischen Punk, Jazz… alles.”, erklärt Jari, Schlagzeuger im Dÿsenduo, die Einflüsse der Band. “Wir haben Ansätze, da feiern wir uns total ab im Proberaum. Irgendwie kommt immer was dabei raus. Selbst wenn die Leute da mal keinen Bock darauf haben, wir ziehen’s durch. Wenn uns das gefällt, machen wir’s einfach.” Genau danach klingt der 2009 veröffentlichte Langspieler “Lieder sind Brüder der Revolution”. Elf Songs, die den Hörer mit Ungewohntem konfrontieren: “Zebramann” bäumt sich nach dem vermeintlichen Ende noch mehrmals lautstark auf, die Takte in „Treppe“ fordern beim Mitzählen (auch in den Pausen) und “Trick” wartet mit orientalischem Charme auf, bis ein Bläser-Ensemble dem Lied Schlagseite Richtung Ska gibt. Die geheime Zutat sind schließlich die kryptischen Texte, die elegant zwischen Stumpfsinn und Gesellschaftskritik balancieren, so dass die Aussageabsicht nie wirklich klar auszumachen ist. So schürt das Duo, vergleichbar mit Bands wie Tool (musikalisch) oder Turbostaat (textlich), das Verlangen, die Lieder mit jedem Mal etwas besser zu verstehen. Womit erreicht wäre, was sich die beiden wünschen: “Unser Ziel bei dem Ganzen ist, dass die Leute mal wieder mitdenken beim Musikhören.”, erklärt Jari. “Sich einfach mal mit dem Arsch hinsetzen und bewusst Sachen anhören. Und nicht ständig Leuten hinterher rammeln.”

In Deutschland habe das Konzept DŸSE anfangs gar nicht funktioniert, weswegen die Band zunächst viele Konzerte im Ausland spielte. “Die dachten alle ‘Was ist’n das für Dreck.’ Wir haben uns echt den Arsch abgespielt. In Oslo, auf der ersten Europatour, waren vier Leute glaube ich. Das hatte aber auch was Geiles.” Mittlerweile, da Szenen aufbrechen und Genrebezeichnungen mit der Ausdifferenzierung der Musiklandschaft immer weniger mithalten können, werden auch DŸSE-Konzerte besser besucht. Geholfen hat vor allem Eines, erinnert sich Jari: “Als das mit der Band losging, hab ich zu André gesagt: Wir sind wie Zorro, wir tauchen irgendwo auf, uns kennt keiner, wir bolzen alles weg, und danach alle so ‘Oh! Wer war’n das?!‘“DŸSE hat sich einen guten Ruf erspielt und gilt als Garant für impulsive Shows, die Menschen unterschiedlichster musikalischer Herkunft anziehen: “Auf den Konzerten haben wir immer Metaller da, es sind teilweise Hip-Hopper da, es sind Punk-Rocker da, es sind abgefreakte Hastenichgesehens da.”, beschreibt Jari.

Jari Altermatt von Navel

So auch beim Konzert im Weltecho in Chemnitz, Andrés Heimatstadt. Bevor jedoch das Duo beim Heimspiel beweisen kann, wie dynamisch und druckvoll es tatsächlich ist, sind die Schweizer Navel an der Reihe. Gäb es eine Preisverleihung für die Vertonung der Wüste, das Trio wäre nominiert. Mit viel bluesiger Coolness, simplen wie guten Basshooks und (natürlich) einer Mundharmonika schicken sie das Publikum in “Blues On My Side” in eine vertrocknete Einöde und klingen dabei nach einer düsteren Version der kalifornischen Genre-Kollegen Sleepy Sun. Zwar lassen ein, zwei zu ruhige Songs das Publikum ob ihrer balladesken Langweiligkeit etwas irritiert und ratlos im Bühnennebel stehen, aber so haben die Anwesenden gleich einmal die Gelegenheit, sich die Sandkörner aus dem staubig trockenen Mund zu puhlen.

André Dietrich von DŸSE

War das Weltecho bis gerade eben noch nach dem Motto “Hier stand aber ich” sortiert, sorgen DŸSE schnell für eine neue Stehplatzordnung. Mit dem Brüllen der Zauberwörter “SCHWARZ!” und “WEISS!” geht das Duo im Song “Zebramann” sicher, dass tatsächlich auch alle geistig anwesend sind, wartet, bis sich die Sprechchöre noch etwas aufschaukeln und metzelt sich von da an gnadenlos durch die Setlist. Der Platz vor der Bühne wird nun von zufällig umher geschleuderten Oberkörpern dominiert, Bier landet zwangsläufig dort, wo es hingehört (auf T-Shirts, Effektgeräten – manchmal im Mund), jedwede Songtitel werden mit Jubel aufgenommen und mitgeschrien. Über all dem thronen Jari und André, die in ihrer zweigeteilten Kluft wie einem Comic entsprungene, irre Bösewichte aussehen, die sich an dem chaotischen Spektakel laben. Ihr Anteil daran ist leider gar nicht so groß, wie erhofft: das Potential der musikalischen Anarchie des Albums nutzen DŸSE live nicht wirklich, halten sich nah am Album, schmücken das ein oder andere mit einer Geschichte aus.

Jari Rebelein von DŸSE

Vielleicht haben die oft positiven Erfahrungsberichte von DŸSE-Konzerten in dieser Hinsicht die Erwartungen doch etwas zu hoch geschraubt. Dennoch: Das Duo ist live eine Wucht und macht mindestens genauso viel Spaß wie von Platte.

Gute Nachrichten: André und Jari schreiben bereits am nächsten Album. “Ein bisschen Arbeit ist zwar schon noch drin – ein Song kann ein Jahr lang schon feststehen und wir spielen ihn und denken ‘Warte mal, hier könnte noch was Geiles rein!’ – aber die Aufnahmen sind für Sommer/Herbst geplant.” Die Zeit bis zum Erscheinen verkürzen DŸSE mit einer neuen Single und einer gebündelten Veröffentlichung aller bisherigen, teilweise vergriffenen Singles. Hauptsache, die Stimme im Kopf schreit bis dahin nicht mehr “SCHWARZ! … WEISS! … SCHWARZ! … WEISS! …”

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Navel
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DŸSE
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Herrenmagazin, Kippen (Werk II, 19.01.11)

Thu, 27 Jan 2011 15:25:00 +0100

Den Eintrag veröffentliche ich mit freundlicher Genehmigung des Onlinemagazins CrossOver, für das ich den Artikel verfasst habe und bei dem derselbe auch in Kürze online erscheinen wird.

Die vier Mitglieder der Hamburger Indie-Band Herrenmagazin müssen Organisationstalente sein: Erst vor wenigen Monaten haben Deniz Jaspersen, Rasmus Engler, König Wilhelmsburg und Paul Konopacka ihr zweites Album “Das wird alles einmal Dir gehören” veröffentlicht, schon denken sie an das nächste und überbrücken die Wartezeit der Fans mit einer Audiolith-Remix-EP. Nebenher basteln sie auch noch Unikate für die Fans… und das, obwohl eigentlich keiner der Vier wirklich Zeit hat.

v.l.n.r.: Rasmus Engler (Schlagzeug), Deniz Jaspersen (Gesang und Gitarre), König Wilhelmsburg (Gitarre), Paul Konopacka (Bass)
Foto: Motor Music

Zweieinhalb Wochen touren die Vier nun durch Deutschland und bespielen insgesamt 17 Städte. Danach geht’s zurück in den Alltag: Paul und Deniz kümmern sich um ihr Studium. Ersterer spielt außerdem seit Kurzem bei der Indie-Band Tusq, Letzterer arbeitet zusätzlich nachts in einer Mutter-Kind-Einrichtung. König ist Sozialarbeiter, Rasmus jobbt unter anderem im Hamburger Club Uebel & Gefährlich und spielt in diversen anderen Bands (Das Bierbeben, Gary, Dirty Dishes). Jeder der Vier macht irgendetwas nebenbei, denn die Band als Verdienst allein reicht nicht, gibt Deniz zu: “Es ist zu viel Zeit für ein Hobby und zu wenig Geld für einen Beruf. Wir verdienen damit kein Geld. Wir geben aber auch keins aus. Wir ruinieren nur unser Leben.” Dennoch müssen die vier Hamburger irgendwie alles unter einen Hut bringen…

Deniz: Wir proben halt nicht.
König: Mir geht’s halt einfach immer schlecht. (lacht)
Rasmus: Ich schlaf‘ einfach nicht.

Dem melancholisch resignierten Indie der vier Herren ist das nicht anzuhören, weder auf Platte noch live. Aber natürlich schränkt es die Band auch ein, beim Songschreiben beispielsweise, wie Rasmus anmerkt: “Wir können uns eben nicht mal problemlos ein Wochenende zusammensetzen, weil wir genug damit zu tun haben, dass sich das, was wir sowieso schon machen, einigermaßen anhört.” Die Songs von Herrenmagazin würden vermutlich ohne Zeitmangel ganz anders klingen, denn momentan entscheidet die Band immer sehr spontan aus dem Bauch heraus: Deniz spielt dem Rest seine Akustikballaden vor - ein “chronischer Singer-Songwriter”, scherzt Rasmus - und dann entscheidet sich sehr schnell, ob der Song funktioniert oder nicht. Die Lieder verselbstständigen sich in “Das passiert dann halt einfach”-Manier, erklärt Deniz: “Engler spielt sowieso meistens einen komplett anderen Beat, als ich mir das ursprünglich dachte. Das ist dann aber genau richtig, weil ich dann denke: Krass! Na klar! Logisch! Und König…”, dieser fällt ihm ins Wort: “… macht eh was er will”. Deniz setzt fort: “Das hätte ich mir eh nicht alles ausdenken können. Und dann denk ich auch so: Ja fett! Geil! Der Einzige, auf den ich mich immer verlassen kann, ist Paul Konopacka, menschlich aber auch musikalisch. Musikalisch sind wir uns am einigsten.” Auf dem nächsten Album wollen die Vier etwas weg vom bisherigen Vorgehen, mehr zusammen schreiben und mehr jammen, denn andernfalls würde es Deniz zu langweilig. Aber damit es dazu kommen kann, braucht es wieder Zeit. Rasmus wünscht sich und den Rest der Band für zwei Wochen auf eine Insel: “Die Greifswalder Oie zum Beispiel, die ist nämlich unbewohnt.”

Der aktuelle Langspieler “Das wird alles einmal Dir gehören”
Foto: Motor Music

Einen kleinen Schritt in Richtung dieses Songwritings haben Herrenmagazin schon auf dem aktuellen Album “Das wird alles einmal Dir gehören” getan. Im Gegensatz zum Debüt “Atzelgift” haben die Hamburger dieses nämlich live aufgenommen. “Hat natürlich Nachteile”, erklärt Paul, “weil man weniger bearbeiten kann. Aber es hat natürlich mehr Feeling.” Ein Balance-Akt: Mehr Authentizität und Energie gegen weniger klaren Sound. Der Klang von Herrenmagazin hat sich aber auch in einer anderen Hinsicht verändert, merkt Rasmus an, denn 2005 wurde der damalige Gitarrist Philip Wildfang durch König ersetzt. “Da König in seiner Fanhaftigkeit ein breitgefächerteres musikalisches Spektrum abdeckt und ein etwas größeres Wissen hat, als der Typ der da vorher stand, muss es zwangsläufig etwas vielschichtiger werden.”

Zu textlicher Resignation und musikalischer Vielschichtigkeit gesellt sich außerdem noch ein bisschen Punk-Attitüde ins Bandgefüge von Herrenmagazin. Die manifestiert sich derart, dass die vier Hamburger eine gewisse Gleichgültigkeit an den Tag legen: “Diese vollkommene Verweigerung”, erklärt Rasmus, “als Band Pressemappen zu machen und sich irgendwo anzubiedern. So faul zu sein, wenn jemand anfragt und ein Demo möchte, zu sagen ‘Ja, wir haben aber keins.’ Diese Respektlosigkeit der nächsten Stufe gegenüber ist uns allen sehr zu Eigen.” Für Herrenmagazin zählt die Musik, kein Marketing. Das setzt sich fort bis zur wenig strategischen Auswahl der Vorband. “Wenn wir ein bisschen Einfluss darauf haben”, erklärt Rasmus, “dann nehmen wir natürlich irgendwelche Leute, die wir seit ewig kennen.”

Kippen ist eine solche befreundete Band, die das Konzert als auch die Tour im Werk II eröffnet. Drei Jungs aus Braunschweig, deren Absichten irgendwie besser sind als die Umsetzung. Denn entweder hören sich Kippen auf der Bühne nicht so richtig selbst, Dissonanz ist bei ihnen latentes Stilmittel oder sie sind tatsächlich etwas verstimmt und nicht ganz treffsicher was Töne angeht, denn das, das was beim Publikum ankommt, ist zuweilen ganz schön schief. Da muss man schon ein Ohr zudrücken, um sich auf die etwas diffusen Texte konzentrieren zu können. Wer sich auch mit denen so gar nicht anfreunden kann, bekommt wenigstens lustige Ansagen: “Im nächsten Lied geht es um Arbeit. Nicht sowas wie Kunst studieren, wo man irgendwas auf eine Leinwand kackt. Sondern ehrliche, harte Arbeit wie sie authentisch in Filmen wie Stirb Langsam dargestellt wird.”

Herrenmagazin in der Halle D des Werk II

Ähnlich amüsant bleibt es bei Herrenmagazin, die bester Laune sind. Im Vorhinein hatte Deniz zwar bemerkt, das Werk II sei viel zu groß (“Völlig überdimensioniert. Ich fühl‘ mich schlecht.”), davon spürt man aber nichts, denn sämtliche Anwesenden stellen sich gleich zu Anfang solidarisch so vor die Bühne, dass es aussieht als wäre die Halle D voll. Mit der Resonanz, die den Herren nun auf der Bühne entgegenschlägt, hatten sie wohl nicht gerechnet. Aus Verblüffung wird Euphorie und plötzlich sieht man ganz deutlich freigelegt, warum Deniz, Rasmus, Paul und König so viel Stress für ein, zwei Stunden am Abend in Kauf nehmen: Sie gehen in ihrer Musik auf. Gefühlvolle, aufrichtige Musik und Texte, die sich sowohl Band als auch Publikum kathartisch von der Seele schreien können.

Deniz Jaspersen mit seiner neuen Gitarre

Für noch mehr gute Stimmung sorgt kurz nach Beginn des Konzerts Tourmanager Säge, der spontan die Band mit einer Runde Schnäpse versorgt. Der erste, bei dem dieser seine Wirkung tut, ist wohl Rasmus, der zur Erheiterung aller die wohl besten Ansagen zwischen Liedern seit Langem macht. Eine sarkastische Argumentation, warum Deutschland lieber von anatomischen Spastikern regiert werden sollte (“Die sorgen dann dafür, dass wir überall die Treppen hochkommen.”), erfundene Geschichten über Erlebnisse mit der Band Mikrokosmos23 (“Wir haben am Bahnhof auf unsere vier Taxis gewartet – für jeden eins – und dann hat uns eine Band angesprochen und wir mussten Interesse heucheln.”) und stumpf-dumme Solidaritätsbekundungen für den Stadtteil (“Der nächste Song ist für den Bahnhof Connewitz Süd, der soll erhalten bleiben!”). Bei so viel Amüsement interessiert auch keinen, ob Rasmus dann doch Schwierigkeiten hat, beim Song „Krieg“ das Tempo zu halten oder ob sich einer der drei anderen Herren mal verspielt. Unwichtig, findet in gewissem Maße auch die Band.

Deniz: Wir können nur das, was wir können. Wir können uns nicht verstellen. Wir versuchen das immer noch ein bisschen besser auf den Punkt zu bringen.
Rasmus: Wir können vor allem nur das was wir wollen. Wenn wir jetzt mehr wollen würden, dann könnten wir uns natürlich hinstellen und… es bringt ja auch alles nichts. Es ist ja alles Quatsch.

Richtig. Ist nämlich super so.

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Coliseum, Bison B.C., Kvelertak, Zann (JuHa Rosswein, 03.12.10)

Wed, 15 Dec 2010 13:30:00 +0100

Den Eintrag veröffentliche ich mit freundlicher Genehmigung des Onlinemagazins CrossOver, für das ich den Artikel verfasst habe und bei dem derselbe auch in Kürze online erscheinen wird.

Wer da mal nicht die Lust verliert: zwei Tage neunstündiger Autofahrten auf mittelmäßig geräumten deutschen Straßen, schon um sechs komplette Dunkelheit, Temperaturen unter minus zehn Grad und oben drauf noch eine kaputte Klimaanlage. „Wir haben Frost innen an den Autoscheiben und finden es sehr kalt.“ Erlend Hjelvik, Sänger der norwegischen Band Kvelertak und seine Kollegen haben trotzdem gute Laune.

Bassist Marvin Nygaard bringt es auf den Punkt: „Wir haben gerade die beste Zeit unseres Lebens. Vor einem Jahr habe ich viel Converge, Kylesa und Coliseum gehört und niemals auch nur davon geträumt, mit ihnen auf Tour zu gehen.“ So schnell kann’s gehen mit einem guten Debüt. Das Erfolgsrezept: ein Genremix aus Rock and Roll à la Turbonegro, Hardcore Punk und Black Metal. Spielfreude trifft auf Kreativität trifft auf grandiose Umsetzung und vielleicht auch ein wenig Glück…

Nach vielen lokalen Live-Shows 2007 werden Kvelertak im Februar vergangenen Jahres für das norwegische by:Larm - eine Kombination aus Musikkonferenz und Festival ähnlich der (Pop Up in Leipzig - gebucht. Dort erwecken sie die Aufmerksamkeit einiger Booker, die sie für das renommierte dänische Roskilde Festival und das norwegische Øyafestivalen verpflichten. Der Ruf, eine mitreißende Live-Band zu sein steht. Das Debüt produziert etwas später Converge-Gitarrist Kurt Ballou, dessen Name mittlerweile als Qualitätssiegel im Hardcore-Bereich gelten kann. Coliseum, Doomriders, The Hope Conspiracy - die Liste seiner bisherigen Kollaborationen aber vor allem die jeweiligen Ergebnisse sind überwältigend. Ballou hat eine „Vision davon, was gut klingt“, beschreibt Gitarrist Vidar Landa. Den druckvollen Sound des Kvelertak-Albums verdanken die Hörer also ihm. „Die Songs, die wir mit ins Studio gebracht haben, sind zwar dieselben auf der Platte. Aber besonders ‚Mjød‘, einer unserer ältesten Songs, stellte sich während den Aufnahmen als so gut heraus, dass wir uns dazu entschlossen, ihn als erste Single mit Video zu veröffentlichen. Eigentlich hatten wir dafür ‚Ulvetid‘ vorgesehen.“ Hjelvik fügt schnörkellos hinzu: „Ich finde, er hat alles großartig klingen lassen.“ Für ein schönes Artwork sorgt letztendlich noch Baroness-Frontmann John Dyer Baizley, der bereits für Torche, Kylesa und Skeletonwitch und viele mehr zeichnete.

Trotz den großen Namen überrascht wie schnell es die Norweger geschafft haben, Popularität zu erlangen. Fragt man Nygaard, warum es ihm und seinen Kollegen scheinbar so viel einfacher fällt als anderen Bands, offenbart er seine sehr drastische Sicht: „Ich glaube es gibt eine Menge schlechter Bands da draußen. Was uns so weit gebracht hat sind - um ehrlich zu sein - gute Songs. Ich respektiere Bands, die hart arbeiten und touren, aber…“, Landa fällt ihm ins Wort. „… einer beschissenen Band fällt es schwerer.“ Diese Einstellung darf man unverschämt finden, aber im Prinzip stimmt sie. Schließlich haben es zwei Kvelertak-Songs sogar ins Radio geschafft, was laut Hjelvik, Nygaard und Landa bisher nur einer „extremen“ Band in Norwegen gelungen ist: Satyricon mit „Fuel For Hatred“. An dem Argument der gut geschriebenen Songs ist wohl also etwas dran.

So unhinterfragt wie der Bandname Kvelertak, übrigens norwegisch für „Würgegriff“, mittlerweile schon synonym für brutalen Sound, Metal-Gebahren und energiegeladene Live-Shows auch hierzulande verwendet wird, ist es kein Wunder, dass das Jugendhaus Rosswein trotz arktisch anmutender Temperaturen gut gefüllt ist. Im Nachhinein wird sich nämlich leider zeigen, dass ein großer Teil des Publikums die Hauptacts Bison B.C. und Coliseum kaum beachtet und nur wegen den Norwegern gekommen ist.

Vor dem Dreigespann der genannten Bands spielen aber zunächst als deutscher Support Zann. Der chaotische Hardcore bzw. Screamo der sechs Jungs ist alles andere als leicht zugänglich und wären Zann ein Essen, dann Fisch mit sehr vielen Gräten: Vor dem Genuss kommt die Arbeit. Wer sich hier vorher nicht hineingehört hat, ist auf dem Konzert verloren, denn so viel Dissonanz, Taktwechsel und unverständliches Geschrei begreift und mag man erst nach mehrmaligem und intensivem Auseinandersetzen mit der Band. Andernfalls bleibt das Konzert eher anstrengend und verstörend in Erinnerung.

Bei Kvelertak ist die Situation gegenteilig: Alle Anwesenden haben das Album sicherlich gehört und wirklich kompliziert ist die Musik auch nicht. Aber ein 4/4-Takt ist was man daraus macht und die Norweger machen uneingeschränkt alles richtig. Gitarrensolo, Blastbeats, Gitarrensolo, testosterongeladenes fünfstimmiges Gebrüll, Gitarrensolo, Black Metal-Gekrächze, Gitarrensolo, Breakdown, Gitarrensolo, turbonegroeske Schellenkranz- und Klavier-Einlage, Gitarrensolo. Langweilige Passagen oder mittelmäßige Übergänge? Gibt’s nicht.

Kvelertak ziehen in den vier- bis fünfminütigen Songs das komplette Rock and Roll-Register, setzen Black Metal-Elemente als kreative Sahnehäubchen oben drauf und meinen das alles auch noch ernst. Da spritzt das Herzblut nur so ins Publikum, welches so viel Leidenschaft selbstverständlich ausrastend dankt. Nach dem Konzert springt sichtlich berührt draußen noch ein Kvelertak-Jünger schreiend wie ein tobendes Kind durch den Schnee. Ihm war die halbe Stunde scheinbar auch nicht genug.

Bison B.C. veranschaulichen in der Umbaupause gekonnt die Bedeutung des Sprichworts „der Schein trügt“. Der eher hagere Schlagzeuger Brad Mackinnon macht nicht so wirklich den Eindruck, als ob er gleich so richtig zuhaut, Sänger und Gitarrist Dan And versteckt sich hinter langen Haaren und Masa Anzais Bass hat nur drei Saiten und besteht eigentlich mehr aus Gaffer-Tape als aus Bass. Aber die Kanadier beweisen: schmächtiger Körperbau schließt aggressives Schlagzeugspiel nicht aus; es bellt sich hervorragend durch vorm Gesicht hängende Haare und drei Saiten am Bass geben Bison B.C. mehr als genug Druck. Am ehesten trifft wohl das Genre Stoner Metal auf die kanadische Band zu, obwohl deren Musik neben dem für Stoner charakteristischen erdigen Sound auch Thrash Metal- und Punk-Elemente miteinander vereint. Das Publikum weiß das leider nicht so zu würdigen wie den Party-Metal Kvelertaks, und ist dementsprechend auch weit weniger interaktionsfreudig.

Vor der Hauptband hat sich das JuHa Rosswein beträchtlich geleert, trotz Bison B.C.s vorangegangener Ankündigung Coliseum seien „fucking rad“. Deren ziemlich geraden Hardcore Punk schätzen die Vorbands nicht ohne Grund: Coliseum beschränken sich auf das Wesentliche, türmen keine Soundwände auf und legen den Fokus auf klar strukturierte Instrumentierung. Nach einer Dreiviertelstunde ist wohl aber das Genreskelett für den ein oder anderen etwas farblos. Der Versuch des Bassisten Mike Pascal, das Publikum mit fröhlicher Mimik und heiterem Hüpfen anzuheizen, scheitert. Lustigkeit ist eben etwas gegenläufig zur Grundstimmung der Songs und das geht auch an den Anwesenden nicht vorbei, die eher mit verschränkten Armen und skeptischen Gesichtern darauf reagieren. Schade, denn nur weil sich Coliseum nicht „hardcore“ auf die Stirn tätowiert haben und kein „zeit- und szenegemäßes“ Auftreten an den Tag legen, vermindert das den Wert der Musik nicht. Ganz im Gegenteil, wie die ehrwürdige Verabschiedung mit der Coverversion von Danzigs „Am I Demon“ zusammen mit Bison B.C.s Gitarrist und Sänger And klar zeigt: eine Band die nicht dem Hardcore-Stereotyp harter, unnahbarer oder per se cooler Typen entspricht, kann trotzdem musikalisch mit ganz vorn liegen.

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Kvelertak
Coliseum

Saviours, Ramming Speed, Soma (LiWi Leipzig, 26.11.10)

Tue, 30 Nov 2010 23:47:00 +0100

Bei meinem Interview vor dem Konzert in der Leipziger Lichtwirtschaft sagt Austin Barber, Sänger von Saviours, im Schnitt öfter „fuck“ als die Protagonisten in „Pulp Fiction“ und „Goodfellas“ zusammen. Besonders oft benutzt er den Kraftausdruck, um seiner Sicht auf Religionen und die Welt angemessen Ausdruck zu verleihen. Und natürlich zum Beleidigen.

„Um die 15 Arschlöcher haben uns vor ein paar Wochen in New York richtig verprügelt. Kinder mit scheiß Black Metal-Jacken, scheiß Nieten überall, scheiß Discharge-Aufnähern. Ich glaube sie wussten nicht, dass wir vor wenigen Jahren genau wie sie waren. Ein paar Jahre noch, dann sind sie auch Heavy Metal.“ Barbers Rippen täten davon noch immer weh, aber hey, das seiner Meinung nach Schlimmste, was ihm passieren kann, ist ihm hiermit zugestoßen: ein „Tritt in den Arsch“. Andere Ängste würden er und der Rest der Band nicht hegen, was im Umkehrschluss aber nicht heißt, dass sie nicht versuchen, anderen einen ordentlichen Schrecken einzuflößen. Ein Blick auf das Plattencover des aktuellen Saviours-Albums „Accelerated Living“ reicht: Abbrennende Gebäude, ein besessener Wolf, der einer Jesus nicht unähnlichen Person in den Hals beißt, Schlangen, Ziegen, Frösche und ein gehörnter Mann mit einem Kreuz, der für den Spuk scheinbar verantwortlich ist. Die Titelliste beinhaltet thematisch sowie inhaltlich passende Songs wie „Burning Cross“ und „Apocalypse World Split“. „Ich habe Visionen der Hölle, von der Apokalypse und wie die Welt brennt. Nichts das wirklich cool ist. Früher oder später geht es bergab mit der Welt. Eher früher.“ Naturkatastrophen, Kriege… die Anzeichen dafür sehen er und seine Bandkollegen schon jetzt. Die Musik gibt sie Musik metaphorisch wieder und sagt sie vorher.

All das explizit auf Satan zurückzuführen, geht ihnen aber zu weit. „Es gibt Gut und Böse und beide wirken sich auf ihre Weise aus, ob du das nun Gott oder Satan oder oben und unten nennst ist egal. Wir glauben alle an denselben Mist. Wir verehren zum Beispiel die Sonne, vielleicht ohne es zu wissen. Die Christen nennen es Jesus Christus, aber im Prinzip ist jede Religion das Gleiche nur mit verschiedenen Begriffen. Folglich sind alle Religionen Schwachsinn.“ Barbers Jugend habe diese Sichtweise geprägt, da er in einem religiös repressiven Umfeld aufgewachsen sei, Ku Klux Klan inklusive.

Heute glauben er und seine Bandkollegen an nichts und machen ihr Leben nur an drei Dingen fest: Rock and Roll, Feiern und Frauen. Die einzige Sache, die ihnen etwas bedeutet, ist die Band, da sie all das mit sich bringt. „Wir verdienen zwar nichts, aber ich fühle mich, als wäre ich reich. Es gibt nichts anderes auf der Welt, das ich machen will. Ich hab den Arsch voller Geschichten, auch wenn ich mich nur an ein Zehntel erinnern kann“, sagt Barber. Diese Erlebnisse reichen von beängstigenden Schlägereien während der Weltmeisterschaft über fast-Flugzeugabstürze bis hin zu regelmäßigen Treffen mit der eng befreundeten Band High on Fire. Mit denen hängen Saviours ab, wenn alle gerade in Oakland sind. Die Frage, ob die Szene in der Bay Area, vor allem bekannt durch Metallica und Exodus, noch aktiv sei, bejaht er. „Es geht so viel ab. Lecherous Gaze, Laudanum… es gibt ein Dutzend guter Bands in der Umgebung. Man sieht sich, geht auf Shows, unterstützt sich.“ Wahrscheinlich haben die Jungs auch deswegen so schnell einen neuen Bassisten finden können: Carson Binks, der zuvor bei den ebenfalls aus der Region kommenden Dzjenghis Khan und Parchman Farm gespielt hatte, ersetzte sofort Chris Grande, der Saviours Richtung Lecherous Gaze verließ.

Den heutigen Abend teilt sich die Band aber nicht mit kalifornischen Kollegen, sondern mit Soma aus Stockholm und Ramming Speed aus Boston. Die wollen sich auch Saviours ansehen und verschwinden nach dem Interview in dem kleinen, vollen Konzertraum in der Menge. Das Publikum setzt sich bei weitem nicht nur aus den typischen Metalheads zusammen: Der Punk mit seiner Jacke voller Thrash-Metal-Aufnäher steht neben dem blonden, gepiercten Hardcore-Mädchen mit Basecap oder dem Indie-Jungen mit Stoffbeutel. Eine Welle neuen Metals, der sich nicht dogmatisch nur an Stilelemente des Genres hält, sondern vermehrt auch Einflüsse von außen zulässt, hat dafür gesorgt, dass sich das Genre neuen Zuhörern öffnet, die ihm nicht schwarz-weiß-denkerisch mit Begriffen wie „true“ oder „untrue“ entgegentreten. („Mitverantwortlich“ waren und sind da Bands wie Mastodon, Kylesa, The Sword und Baroness.)

Der kleine Raum ist gut gefüllt, Soma eröffnen den Abend. Die Schweden, die gerade dabei sind eine erste Demo aufzunehmen, legen mit ihrer brachialen Mischung aus Crust und Punk ordentlich vor. Warum sie so klingen wie sie klingen, ist leicht bestimmt: Frontfrau Diana singt nebenher bei den ebenfalls düsteren und extremen Shades of Grey, Schlagzeuger Dadde knüppelt bei den Hardcore-Punks Wolfbrigade. Das Ergebnis: Ein dreckig klingendes Musikmonster, das tobend Dampf ablässt.

Bei Ramming Speed sind frühere oder Nebenprojekte etwas unübersichtlicher. Deren Musiker haben vereinzelt schon bei Cyanide Breed, Combat Delta, Inheritance, Backstabbers Inc, Bones Brigade und Coctopus gespielt, was den Versuch, die Musik der Amerikaner genealogisch zu erklären schwer bis unmöglich macht. Praktischerweise sind Ramming Speed schlicht fünf Männer mit Bock auf Thrash Metal und Grindcore. An beidem bedienen sie sich gerade so, dass eine ideale Mischung aus frickeligen Riffs und Soli, Gegrunze und Geschrei sowie höllisch schnellem Gebretter herauskommt. Thrash hat lange nicht so frisch und jung geklungen, denkt vermutlich auch die Mehrheit der etwa 50 Anwesenden und nach ein paar Blast-Attacken, die die Hemmschwelle wegpusten, tauschen sie munter und energetisch Stehplätze.

Bei Saviours hat die musikalische Sozialisation definitiv andere Spuren hinterlassen als bei der Vorband. Die Kalifornier nennen Heavy Metal-Legenden wie Motörhead, Scorpions, ZZ Top, Saxon, Judas Priest und Dio als Vorbilder. Dementsprechend reizüberfluten sie das Publikum nicht wie Ramming Speed, nach denen man sich fragt, welche Farbe das Auto eigentlich gerade hatte, von dem man überfahren wurde. Bei Saviours sieht man, dass die Karre schwarz ist, hört aus dem Inneren Rock and Roll-schwangeren Heavy Metal mit düsteren Riffs und weiß: die fahren nach ganz unten. Mit „Der Ton ist das Ziel“-Ethos spielen sie Soli ohne Hektik aus und geben dem Geschrammel den Raum, den es verdient. Slayereske Thrash-Elemente finden trotzdem ihren Platz, Groove schließt Geschwindigkeit eben nicht aus. Weit nach Mitternacht sorgt das Vierergespann so noch immer für Bewegung in der Menge, Luftgitarrensoli, gereckte Fäuste und im Anschluss auch viel Applaus. Nur leider kommt keine Zugabe: „Wir kennen keine weiteren Songs“, entschuldigt sich Barber. Was die Menge nicht weiß ist, dass Bassist Binks erst seit drei Wochen zur Band gehört. Enttäuschte Gesichter sieht man nicht, immerhin war das gerade eine Dreifachportion Metal. Eine typische Win-Win-Situation für Publikum und Band, denn Barber kann jetzt gedanklich hinter „Rock and Roll“ und „Feiern“ einen Haken setzen. Was jetzt noch fehlt, sind Frauen.

Setlist

Apocalypse World Split
Cavern Of Mind
Dixie Dieway
Eternal High
Acid Hand
Burning Cross
Christ Hunt
Slave To The Hex

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